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Jennifer’s Body es el tercer largo de la neoyorquina Karyn Kusama, y es un nuevo vehículo para el lucimiento de Megan Fox. La idea es elemental y no deja de apelar a una serie de convenciones no exentas de agotamiento. Una joven banda de rock llega a una pequeña localidad norteamericana con el deseo de lograr el éxito a como dé lugar. A partir de ello, empiezan a suceder consecutivas desgracias, como un incendio donde actuaban y en el que mueren numerosos pobladores. Luego, el grupo realiza un acto satánico, que convierte a Jennifer (Fox) en un personaje endemoniado, mitad zombie, mitad fiera, que debe proveerse de carne y sangre fresca masculina cada cierto tiempo. Sobre el apacible pueblo cae, entonces, una extraña maldición de tragedias inexplicables.

¿Se acuerdan de la hija de Meryl Streep en Mamma Mia!, que reunía a sus probables padres y perturbaba a su madre entre las canciones de ABBA? Ella es Amanda Seyfried, que aquí interpreta a Needy, la mejor amiga de Jennifer, la única que se da cuenta de lo que está pasando y que se propone detener las muertes de los jóvenes muchachos. La película se concentra en el pleito de las jovencitas, con un tono evidentemente menor, sin mayores pretensiones que la exposición clara de las incidencias de acecho y descubrimiento, y el enfrentamiento inevitable, que incluye la poco verosímil revelación de la propia Jennifer de lo que le hicieron los aspirantes a rockstars.

Bajo el padrinazgo de Peter Jackson, un baluarte del cine fantástico en la actualidad, Sector 9 es la opera prima de Neill Blomkamp, un joven director sudafricano, y canadiense de adopción, que logra contar con gran fluidez una historia de existencia alienígena en Johannesburgo.

Se trata de la ciudad de mayor área y demografía de Sudáfrica, y el contexto es de convivencia urbana, persecución gubernamental y combate cotidiano, que incluye artefactos cibernéticos y armas biológicas de alta sofisticación. Al principio, las criaturas, con su presencia viscosa y bípeda, llaman la atención de la platea por su acabado artesanal y aspecto de farsa. Pero poco a poco, paradójicamente, va quedando clara su “humanidad”, en parte porque se han mimetizado con la población humana luego de treinta años de haber arribado. En paralelo, paulatinamente la acción militar va siendo cada vez más desproporcionada y genocida.

Blomkamp filma los encontronazos callejeros de terrícolas y extraterrestres como un divertimento perverso, en el que la puesta en escena juega con el aparente tono menor del relato y la incredulidad del espectador. A partir de esa fricción de texturas, se genera una estilizada verosimilitud que potencia el estallido del caos. Espontáneamente, salen a colación las lecturas simbólicas del apartheid y el instinto de destrucción del entorno que caracteriza a nuestra especie, todo bajo la apariencia de un registro televisivo de transmisión en vivo y en directo. La mutación del funcionario Wikus Van De Merwe (excelente Sharlto Copley) es un tour de force actoral que sostiene el camino hacia la más violenta polarización.

Inglourious Basterds, la nueva película de Quentin Tarantino, celebra el cine como un universo expresivo propio. Construye su realidad particular e incluso tuerce la Historia, con mayúscula. La puesta en escena es holgada y luminosa, con encuadres amplios y actuaciones trabajadas en base a un tono de ceremonia, en episodios de distinta duración que van articulando un contexto de impostación y cinismo alrededor de la agudización de la segunda guerra mundial en Europa.
Tarantino se las arregla para contar una historia sobre la atroz arremetida de la amenaza nazi, sin perder el gusto por la ironía, el oscuro refinamiento y el giro de tuerca permanente. Todos los personajes, “buenos” y “malos”, conspiradores contra el Tercer Reich y miembros de éste, viven entre máscaras, guiños y estrategias de exterminio del enemigo, en el marco de la ocupación germana en Francia.

La secuencia final del incendio en el cine es de antología. Con su imagen capturada en el celuloide y lanzada a la pantalla, Shosanna (Mélanie Laurent) invade la película nazi y modifica la historia, del mismo modo como Tarantino consagra su visión del cine, autónomo, independiente de lo que la humanidad ha vivido

Máncora, de Ricardo De Montreuil, es una película aceptable que narra la historia de Santiago, un joven que se enfrenta a una situación crítica. Su padre se ha suicidado y le ha dejado muy poco de valía. Entre las pocas cosas que recibe de él, figura un ejemplar de Los heraldos negros, el libro que habla de golpes y resacas, de caídas y del odio de Dios. Los versos de César Vallejo se convierten en metáfora de la trayectoria errática del protagonista.

El problema es que la película sólo concentra sus energías en la confusión de Santiago, que busca en Máncora alguna luz para su vida. De este modo, De Montreuil prefiere filosofar demasiado, tratando de ser profundo y ligero a la vez. El resto de situaciones y personajes que rodean a Jason Day no logran identidad propia, no se integran a la trama principal y se van diluyendo, hasta que el relato mejora cuando dejan de pensar tanto y se lanzan a la pasión sin más ni más, con un trío simpático donde se luce Anahí De Cárdenas. Ojalá la próxima producción del autor muestre más que locaciones turísticas con look de galería y no incorpore tantos subtemas si no los va a desarrollar, como el interés por el ayahuasca de Santiago y el quehacer fotográfico de Ximena (Elsa Pataky).