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Vía Rancho Las Voces, El director Darren Aronofsky, cuenta cómo fue el proceso de realización de El Luchador (The Wrestler), recientemente estrenada en Lima.

El corte que El luchador representa, en relación con la obra anterior de su realizador, es total. Donde había un desborde visual dado a reproducir alucinaciones, fantasías y viajes de ácido, ahora hay el más puro realismo. Estilo que ayuda a reforzar una de las sensaciones más fuertes que la película produce en el espectador: la de estar presenciando un documental sobre Mickey Rourke, con el actor haciendo de sí mismo, casi a la Kiarostami. En la entrevista que sigue, y antes de abordar la cuarta entrega de Robocop (actualmente en preproducción), Aronofsky se explaya sobre cuestiones de estilo, cine de autor y cine para todo público, la tensión entre experimentalismo y realismo, los muchos obstáculos que debió afrontar para ver terminada la película. Y, sobre todo, la extraña experiencia de habitar, durante largos y peleados meses, ese extraño lugar de la galaxia que es el planeta Rourke.

Hasta ahora usted había dirigido sólo proyectos personales, escribiendo en todos los casos el guión. ¿Puede considerarse a El luchador como su primera película «industrial»?

No. Es un proyecto en el que me impliqué tan a fondo como en cualquiera de mis películas anteriores. La única diferencia es que no escribí el guión. Pero no se trata de uno de esos guiones que un productor te alcanza para que leas, sino de uno que yo mismo le encargué a Robert Siegel, ex editor del sitio de Internet The Onion, y que trabajé junto a él durante largo tiempo. Lo cual me permitió participar en el proceso de escritura de modo bastante activo. Por otra parte, debo decirle que la idea de hacer una película sobre el mundo de la lucha libre es tan vieja que uno de los proyectos que tuve en danza para mi ópera prima, a comienzos de los ’90, se llamaba The Wrestler, igual que esta película. Finalmente, en cuanto a lo de película industrial… El luchador es una película independiente, producida bajo mi propio sello, Protozoa, al que se sumaron otras compañías pequeñas, incluyendo a la distribuidora francesa Wild Bunch. El costo fue bajísimo: seis millones de dólares. Las majors no producen por debajo de los diez millones. Así que muy industrial tampoco es…

Pero sí mucho menos «experimental» que las anteriores.

Es otra clase de película. Pero la siento tan mía como Pi, Requiem por un sueño o La fuente de la vida.

¿Qué fue lo que lo movió a meterse en el mundo de la lucha libre?

Uno de los motivos es que no había películas sobre el tema. Es curioso, porque el boxeo es casi un género cinematográfico en sí mismo. Pero parece que a nadie se le había ocurrido filmar una historia que transcurriera en el mundo de la lucha libre. O tal vez sí se le haya ocurrido a alguien, pero lo descartaron por considerarla un espectáculo bastardo, o algo así…

Alguna película previa hay. Robert Aldrich filmó una de lucha libre femenina a comienzos de los ’80, Las muñecas de California.

Sí, pero es una de las pocas…

¿Usted tenía algún interés especial en el tema? ¿Era fan de la lucha libre, la veía de chico por televisión?

No. Fui a ver una única pelea, cuando era chico. Peleaban Hulk Hogan y Tony Atlas, en el Madison Square Garden. Me acuerdo de que uno le pegó al otro una patada tan fuerte en las bolas que pegué un grito que me dejó afónico. Fui porque tenía un amigo que sí era fan de la lucha libre. Nos llevó mi papá, que no podía creer nuestro entusiasmo. Me acuerdo de que nos repetía que era todo trucho, y nosotros le gritábamos como locos que no, que era real. Pero ya le digo, nunca fui fan. Lo que me interesaba de la lucha libre era justamente eso: que se trataba de un mundo desconocido para mí. Es lo que me interesa del cine: que te da la posibilidad de meterte en mundos que nunca viste antes.

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